Project Description

Darío Basso (Caracas, 1966)

Hijo de reconocido cardiólogo, pintor y escritor gallego y de maestra venezolana, fundadora de una prestigiosa institución de libre enseñanza de Vigo, Darío Álvarez Basso, que nació en Caracas en 1966, proviene de una familia de intelectuales cuya tradición favoreció, desde su infancia entre su ciudad natal y Vigo, el contacto de este artista con la literatura y la pintura.

Tras cortas incursiones en el mundo del rock y el cómic, comienza su trayectoria profesional a mediados de los ochenta en Madrid, inicio real de su corpus pictórico y primer punto de referencia de su carrera artística. En 1984, después de un período de tres meses en la facultad de Bellas Artes, acude a los Talleres de Arte Actual que impartían, en el Círculo de Bellas Artes, Darío Villalba, Eduardo Arroyo y Frederic Amat, fundamentales en el despegue de su vocación. Entonces entra en contacto directo con la comunidad artística y comienza a concebir el arte como una forma de vida.

Darío Álvarez Basso considera que su obra, dentro de la tradición pictórica más clásica, tiene un carácter atemporal, lo que nunca ha sido obstáculo para asumir una conciencia creadora en el contexto de la contemporaneidad y rendir tributo personal al hombre de su tiempo.

MADRID 1984-1986 Desde estos inicios, su obra delata referencias de la pintura abstracta española de los años cincuenta y, de manera particular, del grupo El Paso y de pintores como Tàpies. Heredera, como la de estos, del barroco español y de Goya, su pintura se oponía a los movimientos artísticos internacionales impuestos en el circuito, como la trans-vanguardia italiana, el neoexpresionismo alemán o la neofiguración americana.

El artista utiliza la pintura como materia primigenia, la trabaja directamente con las manos, reforzando el gesto agresivo e inmediato, al tiempo que se apropia de la carga antropológica y matérica de las lonas y colchonetas militares que le sirven de soporte; de este modo, las integrará en sus cuadros, con sus rotos, marcas y signos vivenciales. Algunas de las imágenes de este período se inspiran en pictografías de culturas primitivas, así como en simbologías que hacen alusión al paso del tiempo. El resultado final guarda, en cualquier caso, una fuerte relación con las poéticas del expresionismo abstracto, acentuando la sobriedad cromática, en consonancia con la herencia de la mencionada tradición española. Es en este momento cuando propone una tríada conceptual que marcará una identidad en su pintura, a la hora de plasmar el universo humano; un universo en qué sitúa al hombre en una posición elemental: El Hombre Acurrucado, La Silla y La Cama.

PARÍS 1987-88 Tras un viaje a Marruecos, su interés por el ser humano se traslada también a lo social. Ya no sólo le preocupa el hombre sobre la tierra, sino la posición de éste con respecto a su cultura y a la sociedad. Es aquí donde comienza a surgir su inquietud por la lucha entre culturas, más concretamente, por el histórico cisma entre Oriente y Occidente. El artista incorpora a su obra la simbología árabe, motivos que se integran en una pintura como la suya, de raíces claramente europeas: de ahí surge un lenguaje integrador y sincrético, producto de la reflexión sobre el papel de ambas culturas, fundidas, finalmente, en el hecho pictórico. Recibe la beca Pensionados de la Diputación de Pontevedra y traslada su estudio a París. Lugar en el que, por primera vez, utiliza el mito de Aníbal como modelo para expresar la dicotomía entre las citadas sociedades y culturas, supuestamente antagónicas: una simbología que utilizará a lo largo de su carrera.

PARÍS 1989 Realiza un trabajo de limpieza y simplificación de las anteriores   simbologías árabes y pasa a utilizar formas más contundentes, inspiradas en mandalas procedentes del mundo hinduista. Reduce su paleta al blanco y al negro. Sobre grandes superficies blancas, que pudieran anticipar una obra más poética, irrumpirán rotundas sierras o círculos negros, que harán de nuevo evidente la lucha entre culturas. Cuadros como Hari-HaraLa muerte de Virgilio y la representación formal del mapa de África intentan reducir la expresión artística a la controversia entre creación y destrucción.

ROMA 1990 Recibe la beca de la Academia Española en Roma. Allí, con la ayuda de sus compañeros arqueólogos, conoce el subsuelo sobre el que se asienta la ciudad eterna, cimiento cultural yacente, que influirá en su obra con imágenes sobre la destrucción y la ruina producida por el paso del tiempo. Esta experiencia le llevará a desarrollar la serie Anibale contro Roma. Utiliza el impecable magnetismo del Panteón como símbolo de la perfección arquitectónica clásica, poniendo en juego la paradoja que enfrenta la fuerza contra la potencia. El artista redefine o reconstruye la realidad, atribuyendo la victoria al héroe derrotado, no aceptando el cruel movimiento de la historia, que negaba la gloria al hombre. En este momento, los colores pasan a segundo plano, primando la búsqueda de la luz con la utilización del claro-oscuro
PARÍS 1991 Recibe la Beca de la Cité des Artistes. Reincorpora, de nuevo, un cromatismo sobrio, basado en la utilización del blanco y el negro. En su afán de unificar las culturas, pinta una serie de cuadros protagonizados por los continentes: Asia, África y América. También utiliza el nombre del profeta Abraham -común a las tres grandes religiones- e incluye la presencia del hombre, manifiesta en sus propias huellas (Le rituel de l’homme non boiteux), transformando la acción pictórica en una autentica performance sobre el lienzo.

PISSIGNIANO (ITALIA) 1991-1992 Después de un viaje a Senegal -donde se siente atraído por el misterio de las miradas en la oscuridad, germen de su época de los ojos – traslada su estudio a una iglesia en la provincia de Umbria. Allí desarrolla una serie basada en la mirada, trabajando la idea del cuadro que escruta al espectador, inspirado por el omnipresente Panthocrator. La influencia de la espiritualidad de San Francisco de Asís pintado por Giotto, la cercanía de los primitivos italianos como Piero de la Francesca, con su utilización del color profundo y sus formas netas, así como la influencia de artistas como Burri y Fontana, le llevan a pintar la serie Carpe Diem. La forma de los ojos sobre profundas masas de colores puros -que posteriormente se convertirán en lo que él llama «espacios espirituales» o «llagas» en la pintura – representa la fusión de las influencias que el artista recibe en ese momento.

NUEVA YORK 1992-1994 Recibe la Beca Fullbright del Comité Conjunto Hispano-Norteamericano y traslada su residencia a Nueva York.

En su lectura de una sociedad como la americana, cuya joven trayectoria difícilmente permite reflejar la posición del hombre a lo largo de la historia, el artista hace una profunda reflexión acerca de la condición humana. Se basa también en los artículos que abren la Constitución Americana y hacen alusión al propio individuo.

Darío Álvarez Basso adopta entonces la línea de trabajo de Kiki Smith, Ana Mendieta y otros artistas que retornaban a una manera peculiar de reinterpretar el «body art». Comienza a plasmar el cuerpo humano, en memoria al citado individuo. Inspirado por las líneas verticales que Barnet Newman utilizaba como ejes en sus cuadros, trabaja con su propia sombra y sus lienzos reproducen columnas vertebrales en cera, verdaderos axis no sólo del cuerpo humano, sino también de los cuadros, que se yerguen constituyendo el epicentro del corpus pictórico y dejan constancia del sufrimiento del hombre.

MADRID 1995 Dario Álvarez Basso hace el camino de Santiago y visita las excavaciones de Atapuerca. Estos estratos de tierra, símbolo de la acumulación de la memoria del hombre, sirven de referencia a su obra, que conserva una estrecha similitud formal con las anteriores columnas vertebrales. El artista funde estas dos estructuras y consigue encajar las piezas que simbolizan las ideas del hombre como individuo y como ente social y cultural dentro de su propia historia.

 

MADRID 1996 El ayuntamiento de Vigo le encarga una retrospectiva de su obra. Para dicha exposición, realiza una recopilación de todas las imágenes que hasta entonces le habían servido como fuente de inspiración en el trabajo diario de su estudio. Utilizando como base estas imágenes, la exposición se nos ofrece como un puzle explicativo de su obra. En lo sucesivo, muchos de estos collages le servirán como bocetos para sus cuadros.

MADRID 1997 Continúa desarrollando el trabajo en base a los citados collages. Realiza su primera escenografía para la compañía de danza contemporánea Danat Dansa. Sobre el escenario, imagina un espacio circular de 12 metros, que pinta junto con 12 paracaídas de 7 metros de diámetro. Estos servirán como elemento escenográfico para el montaje de La japonesa o el imposible retorno a Dédalo. Basso construye un escenario laberíntico, que transforma en un espacio donde pueden habitar la danza y la pintura.
MADRID 1998 Viaja a la India y Nepal. En Benarés realiza tintas sobre papel de arroz desarrollando la idea de la relación del hombre con el agua sagrada del río Ganges. Camina sobre los Anapurnas y allí trabaja -también con tinta sobre papel de arroz, hecho a mano -en una serie de dibujos de montañas inspirados en el paisajismo tradicional chino. De estos periplos surge la serie de dibujos Línea estremecida, que itineraria por España durante un año. Visita un templo llamado Baharat Matta (Madre Naturaleza), sorprendente mapa de la India esculpido en mármol blanco. Álvarez Basso se interesa por la sacralización que la cultura asiática proyecta sobre la abstracción de un mapa, concepto claramente occidental y que para él representa la anhelada confluencia entre ambas culturas. De vuelta a Madrid, trabaja sobre el concepto de Madre Naturaleza y empieza a utilizar hojas, tierra y minerales como materia pictórica, en la interpretación personal de dicho mapa.

VENEZUELA 1999-2001 Su interés por la naturaleza le lleva a trasladarse a su país de nacimiento, Venezuela, donde halla el máximo exponente del mundo vegetal. Inspirándose en trabajos del botánico Humboldt, Celestino Mutis o el enciclopedista de Bry y en la poesía de Neruda –de manera particular en su Canto General– o en el trabajo pictórico performativo del venezolano Armando Reverón y deslumbrado por la exhuberancia de las formas vegetales, desarrolla un decálogo de hojas de la selva tropical húmeda, creando un banco de 2.600 imágenes llenas de color y de luz, como paso previo a un trabajo de representación abstracta. Durante este período, el artista trabaja en la selva y aprovecha para incorporar el biosistema a sus técnicas de trabajo à plein air. Incorpora al proceso pictórico el agua de la lluvia y de los ríos, las hojas de los árboles y de las plantas, el humus…

MADRID 2002-2003 La catástrofe ecológica acontecida en Galicia, en noviembre de 2002, irrumpe en la obra del artista y hace que estas últimas formas naturales aparezcan ahogadas bajo grandes masas de alquitrán, azufre y carbón. Al mismo tiempo, Álvarez Basso, desde un punto de vista histórico, recupera elementos pilares de su obra.

MADRID 2004 En la última etapa, Dario ha seguido viajando y la «voluntad matérica» continúa siendo una constante en su obra. De los eternos hielos mate de la Patagonia al craquelado infinito del desierto de Marruecos, el artista prosigue su búsqueda de sincronismo de la imaginativa materia del mundo, con un proceso de fusión del azar, la técnica y la ética en la pintura: modo de ordenar sobre el lienzo el sentido de ese caos, que surge de la inevitable exploración de todo creador hacia lo inesperado. Estructura matérica y fragmentos de la memoria que conducen a una variación infinita de las imágenes.

HOYO DE MANZANARES 2005-2017 Traslada su estudio al lado del parque nacional de la cuenca Alta del Manzanares, para así poder participar con la naturaleza como parte de su estudio en el 2007 realiza la instalación de pintura de 250 m2 ¨Aljhuaritmi Dixit¨ para la fundación Luis Seoane, que después apadrinada por el Ministerio de asuntos Exteriores de España girara por 5 paises de oriente medio para terminar en la sede de la ONU en Ginebra. En 2011 realiza su segunda gran retrospectiva ¨Materialeza 2004-2011¨, que se inaugurará en el Centre del Carme de Valencia y después se expondrá en el Museo de Pontevedra. En 2015 realiza un mural de 300m2 para la ciudad de Vigo ¨Coloso Anfibio¨.

MADRID 2018-2019 Abre su estudio en Madrid centro donde realiza la serie “EMANACIONES”, donde la abstracción adquiere se desarrolla como fenomenología del gesto, la materia y el color.

CV
GALERÍA